Guillaume Lepoix, artiste plasticien. 

Dans ton atelier, tu proposes de passer du dessin à l’animation grâce à l’IA. Qu’est-ce que cette technologie change concrètement dans la manière de créer du mouvement et de raconter des images ?

Selon moi, avec cette technique, il n’y a plus qu’une seule entité qui crée mais une deuxième en parallèle qu’est l’IA.  Et cette entité, elle va, certes, aider l’artiste pour créer du mouvement et raconter des choses avec ses images, mais elle va aussi apporter son lot d’erreurs, de choses inattendues, de bugs, d’hallucinations, qui sont pour moi d’autant plus d’occasions qui permettent d’aller vers un ailleurs, de prendre une direction qu’on n’avait pas choisie, et ainsi développer une forme d’expérimentation qu’on n’a pas forcément avec les techniques traditionnelles, où on réalise au mieux ce qu’on a en tête. Ce n’est pas forcément le meilleur outil pour atteindre l’objectif précis qu’on s’est donné, mais c’est un bon outil, en tout cas à l’heure qu’il est, pour prendre des chemins de traverse et être surpris par sa propre démarche.

Qu’est-ce que les participant·es ont découvert ou compris qui t’a particulièrement marqué ? Y a-t-il un moment ou une réaction qui illustre bien les enjeux de ta démarche ?

Je pense que ce qui a été le plus intéressant, c’était de voir comment un prompt vague peut donner des choses très inattendues, et comment un prompt très précis peut manipuler l’image dans un degré assez proche de ce qu’on avait envie de voir apparaître. Ce qui a été bien dans cet atelier, c’est que les participants sont pris au jeu de se laisser aller avec la technologie et de comprendre, par les résultats obtenus, un premier aperçu de comment prendre les rênes de quelque chose qui fonctionne différemment de leur main et de leur cerveau. C’est peut-être là la vraie différence entre ce qu’on appelle un « outil numérique » et une  » intelligence artificielle », c’est que dans le cas de cette dernière, il y a une forme de volonté, ou du moins d’autonomie, dans le résultat que peut produire cet intermédiaire.

Selon toi, quelle place pourrait, ou devrait, prendre l’IA dans les pratiques artistiques et éducatives dans les années à venir ?

Selon moi, l’IA peut trouver sa place dans les pratiques artistiques à condition de ne pas être envisagée comme un simple outil, mais comme un nouveau champ d’exploration.

Les textes, images ou vidéos générés sont souvent chargés de clichés, de biais, de réponses automatiques et de « déjà-vu ». Pourtant, au milieu de cette jungle de résultats apparaissent de petits chemins, des directions plus subtiles qui permettent de faire surgir des formes que ni la photo, ni le dessin, ni la vidéo ne peuvent produire telles quelles. Comme la photographie en son temps, l’IA bouscule les manières de créer, de penser et de produire des images ou du texte ; il me semble qu’il faut la saisir comme l’occasion d’un renouvellement.

Si l’on devait en proposer une image, je dirais que l’IA ne devrait pas être abordée comme un outil à maîtriser, mais comme un animal sauvage qu’il faut savoir dompter.  C’est pour cela que la sensibilisation et l’éducation doivent d’abord se concentrer sur ce qu’est une IA : comment elle est fabriquée et par qui, où elle fonctionne concrètement (sur quels serveurs), quels enjeux écologiques, sociétaux et éthiques elle implique, etc. Ces questions ne peuvent pas être séparées des usages concrets : elles doivent avancer de concert. Une partie de l’éducation doit porter sur l’ensemble de cette réflexion, pour que les jeunes apprennent autant à se servir de l’IA qu’à en comprendre les origines. C’est à cette condition que chacune et chacun pourra exercer son propre discernement et se positionner face à cette technologie.

1) Qu’est-ce qui te plaît le plus dans ces ateliers de bruitage avec les enfants ?

Ce que j’aime avec la malle bruitage, c’est que c’est une manière très ludique d’initier les petits et les grands au son à l’image au travers du bruitage. Car en réalité, en plus de faire découvrir le rôle de la bruiteuse et du bruiteur sur un film, on peut introduire l’importance du son sur un film, de ce qu’on peut et veut raconter avec, du travail et de la recherche des sons, le tout, en s’amusant en trifouillant tout les objets de la malle ! 

2) Comment réagissent-ils quand ils découvrent qu’on peut “fabriquer” les sons d’un film ?

Les réactions ne sont pas tant sur le fait que l’on puisse fabriquer les sons à proprement parler mais qu’on puisse les faire avec tout et n’importe quoi et surtout avec des objets qui n’ont rien à voir avec ce que l’on cherche à bruiter. Et ça les surprend toujours de découvrir comment faire le son d’un arbre sans la moindre feuille ou d’un feu sans le moindre risque incendie !

3) Qu’est-ce que ces ateliers leur apprennent sur le cinéma et sur l’écoute ?

On y apprend que le son sur un film n’est pas juste esthétique ou technique mais qu’il est également un vecteur très important de la narration d’un film et sur la crédibilité de l’univers qu’il propose. On peut changer l’ambiance et l’émotion d’une séquence du tout au tout en changeant les sons utilisés. Mais surtout le son d’un film est en réalité un mille-feuille ! Si on prête bien l’oreille, il y a beaucoup de sons différents que l’on ne remarque pas forcément pendant notre visionnage (parfois plusieurs juste pour un seul bruit !) mais qu’ils ont chacun leur importance grâce à leur texture et sonorité unique..

Qu’est-ce qui vous a donné envie de vous impliquer dans les ateliers d’écriture scénaristique du défi Écris ta série l’an dernier ?

Dans un premier temps, ce type d’ateliers me permet de rester connecté aux adolescents, de mieux les comprendre et de découvrir leur fonctionnement. C’est important pour moi qui suis auteur.

Ensuite, je crois que le cinéma doit être accessible au plus grand nombre. Pas seulement dans sa diffusion mais surtout dans sa fabrication. Aujourd’hui, puisque les moyens techniques sont à portée de main, il me semble essentiel de transmettre les bases d’une démarche cinématographique. Et pour moi, le scénario en reste le fondement.

Comment les jeunes participants ont-ils accueilli l’expérience de l’écriture collective d’une série ?

Souvent, au départ, ils sont très enthousiastes et veulent écrire LE scénario que tout le monde voudra voir au cinéma. Mais en commençant à réfléchir, ils se rendent vite compte que beaucoup de leurs idées ont déjà été exploitées, ou qu’ils veulent simplement refaire leur film préféré. C’est souvent à ce moment-là qu’ils se sentent un peu démunis, car ils doivent alors puiser en eux-mêmes et affirmer leur point de vue.

Une fois ce cap franchi, la confiance revient. Ce qui fait la différence ensuite, c’est l’investissement. Un bon scénario demande du travail, et petit à petit, ils s’impliquent. À la fin, après toutes ces étapes, ils sont fiers d’eux et chacun sait si l’écriture est faite pour lui.

Y a-t-il un moment, une idée ou une scène inventée par les élèves qui vous a particulièrement marqué ?

Avec l’un des groupes, au début de l’atelier, nous n’avions qu’une nappe en papier comme support d’écriture. Au fil des séances, les participants y ont déposé leurs idées, leurs intentions, leurs personnages… Peu à peu, la nappe s’est déroulée pour atteindre près de quatre mètres de long. Elle avait l’allure d’une jolie mosaïque. Lorsque nous avons terminé le scénario et qu’il a fallu la plier pour la remplacer par un document propre et normé, les jeunes étaient émerveillés par la transformation. Ce moment a été très fort.

Selon vous, qu’apporte ce type d’atelier aux jeunes ?

À travers ces ateliers, les jeunes découvrent le vocabulaire et les techniques liés au métier de scénariste. Ils apprennent aussi le travail en équipe, ainsi que les différentes étapes de la chaîne de production cinématographique. Mais surtout, ils prennent conscience de leurs propres aptitudes, et qu’ils sont profondément riches – d’idées, de points de vue, de convictions.

Dans le cadre du Parcours d’Éducation Artistique et Culturelle (PAG) dans l’Aube, Léa Haouzi est intervenue auprès de 63 élèves répartis dans trois classes (CP, CE1, CP/CE1) à Saint-Parres-aux-Tertres, pour un projet d’initiation au cinéma d’animation. Elle revient ici sur cette aventure pédagogique menée sur 14 heures par classe, autour du court-métrage Le Grand Grrrrr, en lien avec un travail linguistique en anglais.

Comment s’est construit ce projet d’atelier en stop-motion ?
Le point de départ était l’album Le Grand Grrrrr, une histoire sensible et drôle autour de la colère et de son apprivoisement. Le livre ne comporte aucun dialogue, ce qui en fait un support idéal pour travailler l’expression corporelle, les émotions… et l’imaginaire. Le projet visait à faire entrer les élèves dans la création d’un film d’animation en stop-motion tout en explorant l’expression des émotions et le vocabulaire anglais lié aux sentiments.

Quel était l’enjeu principal avec ces jeunes élèves de primaire ?
Avec des CP et CE1, il faut rendre les choses très concrètes. L’animation image par image est parfaite pour cela : chaque élève manipule, crée, photographie, puis voit l’image s’animer. L’enjeu était aussi de travailler la gestion de la frustration, la patience et la coopération, autant que l’expression artistique.

Quels ont été les temps forts du projet ?
Chaque classe a pris l’histoire à sa manière : certains ont reconstitué des scènes de l’album, d’autres ont imaginé des suites ou des variations. Les enfants se sont montrés extrêmement investis dans la fabrication des personnages et des décors. Et puis, bien sûr, il y a eu la projection finale : un vrai moment de fierté collective.

Qu’avez-vous retiré de cette expérience en tant qu’intervenante ?
C’est l’un de ces projets où on se rend compte que les plus jeunes ont une capacité d’appropriation artistique incroyable. Ils comprennent très vite les logiques de mouvement, de rythme, de narration.